Estilos de diseño de interiores, narrados a través de objetos
Es fácil poner nombre a algunos estilos de diseño de interiores.
Otros se reconocen mucho antes de saber cómo llamarlos.
Una silla de madera curvada, una sinuosa lámpara de hierro, un espejo geométrico, un objeto de plástico moldeado o una mesa que parece haberse escapado de una clase de geometría inusualmente alegre pueden decirnos una cantidad sorprendente sobre cuándo —y por qué— fueron diseñados.
Los objetos transmiten el lenguaje de su tiempo.
Los materiales cambian. La tecnología cambia. Los hogares cambian. Las ideas sobre la belleza, la comodidad y la modernidad cambian con ellos.
Y los estilos rara vez llegan educadamente, esperan a que el anterior se vaya y luego toman su turno.
Se solapan. Toman prestado. Reviven ideas antiguas. Cruzan fronteras y adquieren acentos locales. A veces, solo reciben nombres cuando los diseñadores ya han pasado a otra cosa.
Por lo tanto, este no es un diccionario de estilos de diseño de interiores.
Es una forma de mirar.
A través de siete lenguajes de diseño muy diferentes, podemos rastrear más de un siglo de ideas cambiantes sobre cómo deben fabricarse los objetos, cómo deben lucir los hogares y qué significaba, exactamente, ser moderno.
Arts & Crafts: cuando fabricar importaba
Nuestra historia comienza con una paradoja.
Para entender el diseño moderno, ayuda comenzar con un movimiento que desconfiaba profundamente de lo que producía la industria moderna.
El movimiento Arts & Crafts surgió en Gran Bretaña en la segunda mitad del siglo XIX, asociado particularmente a figuras como William Morris e inspirado por las ideas de John Ruskin.
La industrialización había hecho que los objetos fueran más baratos y más accesibles.
No necesariamente los había hecho mejores.
Los diseñadores de Arts & Crafts valoraban la artesanía, los objetos útiles, los materiales naturales y la evidencia visible de cómo se había hecho algo. Se permitía que la madera pareciera madera. La construcción no siempre necesitaba ser ocultada. La decoración a menudo recurría a plantas, flores y formas tradicionales.
El movimiento no fue simplemente una moda decorativa que involucraba papel pintado, muebles de roble y follaje atractivo.
Detrás de él yacía una pregunta mucho más grande:
¿Qué perdemos cuando el hacer se convierte en fabricar?
Esa pregunta nunca desaparecería por completo.
Irónicamente, un movimiento que miraba hacia atrás, hacia la artesanía, ayudó a dar forma a debates posteriores sobre el buen diseño moderno.
La máquina había llegado.
Los diseñadores pasarían gran parte del siglo siguiente decidiendo qué hacer con ella.
Art Nouveau: cuando la naturaleza se convirtió en línea
Alrededor del cambio del siglo XX, la naturaleza comenzó a comportarse de manera bastante diferente en interiores.
Los tallos se extendieron en los muebles.
Las flores treparon por el cristal y la cerámica.
El hierro se curvó en líneas que parecían crecer en lugar de haber sido fabricadas.
El Art Nouveau se desarrolló de manera diferente en toda Europa —desde el Art Nouveau francés y belga hasta el Jugendstil, la Secesión vienesa y el modernismo catalán—, pero una de sus características más reconocibles fue su fascinación por la forma orgánica.
La naturaleza no fue simplemente representada.
Se convirtió en estructura.
El pie de una lámpara podía parecer una planta. El respaldo de una silla podía fluir como una enredadera.
La arquitectura, el mobiliario, el vidrio, la metalurgia y el diseño gráfico podían participar del mismo lenguaje visual.
Esta fue una de las grandes ambiciones del Art Nouveau: el interior como un entorno artístico completo en lugar de una habitación que contiene objetos decorativos inconexos.
Sin embargo, su reinado fue relativamente breve.
Esas líneas fluidas pronto se encontrarían con un oponente formidable.
La geometría.
Art Deco: cuando la modernidad aprendió a vestirse
Si el Art Nouveau podía crecer como una planta, el Art Deco prefería llegar bien vestido.
Para las décadas de 1920 y 1930, las curvas no habían desaparecido, pero la geometría, la simetría y las formas aerodinámicas habían adquirido una nueva autoridad.
El Art Déco abrazó la modernidad sin exigir que esta pareciera austera.
La madera pulida, la laca, el cristal, el cromo, el latón, los espejos y los materiales lujosos podían coexistir con la imaginería de la era de la máquina, las formas escalonadas, los rayos de sol y los patrones geométricos definidos.
Incluso los objetos utilitarios, desde espejos hasta percheros, podían llevar la misma preocupación por la geometría, la proporción y los materiales pulidos.
Podía ser glamuroso.
Podía ser exótico.
Podía ser teatral.
Y podía parecer profundamente moderno sin dejar de disfrutar enormemente de la decoración.
Esta es una de las razones por las que el Art Déco sigue siendo tan fácil de reconocer, y tan fácil de identificar erróneamente.
Un patrón geométrico no convierte automáticamente a algo en Art Déco.
Ni tampoco un acabado dorado.
El estilo se construye a partir de una combinación de fecha, forma, material, fabricación y contexto, no de un entusiasta zigzag.
Pero el Art Déco estableció algo importante.
El diseño moderno no tenía que elegir entre progreso y glamour.
Podía tener ambos.
Mid-Century Modern: cuando la modernidad llegó a casa
Después de la Segunda Guerra Mundial, el diseño moderno entró en la vida doméstica cotidiana a una escala sin precedentes.
Las casas nuevas necesitaban muebles.
Las nuevas técnicas de fabricación ofrecieron posibilidades.
Los diseñadores trabajaron con madera contrachapada, aluminio, acero, cristal, fibra de vidrio y plásticos, además de materiales tradicionales como la madera.
La amplia etiqueta Mid-Century Modern abarca ahora un territorio enorme, y quizás un territorio mayor de lo que sus habitantes originales reconocerían.
El modernismo estadounidense, el diseño escandinavo, el diseño industrial italiano y otras tradiciones de posguerra nunca fueron idénticos.
Pero compartían un interés en formas adecuadas para la vida contemporánea.
Los muebles se volvieron visualmente más ligeros.
Las líneas se volvieron más limpias.
Se esperaba que los objetos fueran útiles sin necesidad de parecer utilitarios.
Una silla podía ser cómoda, producida en masa y escultórica al mismo tiempo.
Una lámpara podía iluminar una habitación y lucir interesante cuando estaba apagada.
Un espejo podía adquirir una corona de rayos de metal y, de repente, requerir considerablemente más pared que espejo.
La modernidad ya no estaba confinada a manifiestos, exposiciones y arquitectura experimental.
Se había mudado a la sala de estar.
Esta búsqueda de objetos útiles, asequibles y bien diseñados también fue el núcleo de iniciativas como el programa «Good Design» del MoMA, que exploró lo que un buen diseño moderno podría significar para la vida cotidiana en los años de la posguerra.
Hollywood Regency: cuando la moderación era opcional
No todo el mundo deseaba que la sala de estar ejerciera moderación.
El Hollywood Regency ofreció otra versión de la modernidad del siglo XX, una que involucraba espejos, laca, acabados metálicos, contrastes dramáticos, telas lujosas y muebles que sabían perfectamente que estaban siendo observados.
Sus raíces están asociadas a los glamurosos interiores de la Edad de Oro de Hollywood, donde los diseñadores creaban habitaciones adaptadas a personas cuyas vidas profesionales ya dependían del espectáculo.
A diferencia del modernismo estricto, el Hollywood Regency estaba encantado de tomar prestado.
Una forma neoclásica podía encontrarse con muebles espejados.
El estilo chinoiserie podía compartir una habitación con el latón.
Un marco ornamentado podía aparecer al lado de algo elegante y moderno.
El resultado dependía menos de la pureza histórica que del efecto.
Esta es también la razón por la que el término se utiliza de forma bastante generosa hoy en día.
No todo espejo dorado es Hollywood Regency, al igual que no toda silla con patas cónicas es Mid-Century Modern.
Pero el estilo proporciona un recordatorio útil de que el diseño del siglo XX nunca fue una marcha constante hacia la simplicidad.
Algunas habitaciones no tenían la menor intención de volverse más tranquilas.
Era Espacial: cuando el futuro entró en la sala de estar
Entonces llegó el futuro.
O, para ser más exactos, la versión del futuro que se imaginaba durante las décadas de 1950, 1960 y principios de 1970.
La exploración espacial, las nuevas tecnologías y los nuevos materiales transformaron la imaginación visual.
El plástico, que en su día fue un emocionante símbolo de las posibilidades industriales, podía moldearse en curvas y carcasas que los materiales tradicionales resistían.
Los muebles se volvieron redondeados.
Las lámparas se asemejaban a cascos, planetas, cápsulas y objetos no identificados que, razonablemente, habrían requerido autorización del control de la misión.
Los colores brillantes se combinaban con materiales blancos, cromados y transparentes.
El interior doméstico se convirtió en un lugar en el que se podía ensayar el futuro.
Muchos objetos que hoy asociamos con la Era Espacial eran simplemente diseños contemporáneos cuando se fabricaron. Sus diseñadores no intentaban necesariamente crear un estilo histórico llamado "Era Espacial".
Esa etiqueta llegó a describir un lenguaje visual más amplio.
Esta distinción es importante.
Un objeto pertenece primero a su propia historia.
La etiqueta llega después.
Y a veces, el futuro resultó ser algo tan ordinario como un paragüero de plástico.
Posmodernismo y Memphis: cuando el diseño dejó de comportarse
A finales del siglo XX, el modernismo había acumulado reglas.
Los diseñadores posmodernos descubrieron que las reglas eran mucho más entretenidas cuando se cuestionaban.
La función seguía siendo importante.
Pero también podían serlo el simbolismo, la decoración, la cita histórica, el humor y el exceso deliberado.
Entonces, en Milán, en 1981, llegó Memphis.
Liderado por Ettore Sottsass, el grupo Memphis produjo muebles y objetos utilizando colores llamativos, formas geométricas, patrones y materiales económicos en combinaciones que parecían casi calculadas para ofender a cualquiera que buscara una moderación de buen gusto.
Una mesa ya no necesitaba parecer seria solo porque fuera una mesa.
Una estantería podía parecer, simultáneamente, arquitectura, escultura y una broma.
Los materiales tradicionalmente considerados ordinarios o incluso baratos podían exhibirse en lugar de disfrazarse.
Después de décadas en las que gran parte del diseño moderno había perseguido la pureza visual, Memphis invitó alegremente al patrón a volver a la habitación y, al parecer, se olvidó de pedirle que se limpiara los pies.
No a todo el mundo le gustó.
Ese era, en parte, el objetivo.
Siete estilos, miles de habitaciones
Arts & Crafts, Art Nouveau, Art Déco, Mid-Century Modern, Hollywood Regency, Era Espacial y Posmodernismo no constituyen una historia completa del diseño de interiores.
Ni mucho menos.
Hemos pasado de largo por la Bauhaus, el modernismo escandinavo, el Pop, el brutalismo y muchos otros movimientos, tradiciones y lenguajes decorativos sin presentarnos adecuadamente.
Ya llegará su turno.
Tampoco los interiores reales suelen pertenecer claramente a una sola categoría.
Una habitación evoluciona.
Los objetos llegan en momentos diferentes.
Algo heredado se coloca junto a algo comprado ayer. Una mesa del siglo XIX adquiere una lámpara de los años 60. Un espejo Art Déco se encuentra sobre una consola contemporánea y, suponiendo que los espejos tengan opiniones, finalmente aprende a sobrellevarlo.
Precisamente por eso los objetos individuales son tan útiles.
Nos dan pistas.
Un material sugiere una tecnología.
Una forma sugiere una época.
Una marca de fabricante puede sugerir un lugar.
Un motivo decorativo puede haber viajado a través de los siglos antes de aparecer en el objeto que tenemos delante.
Aprender los nombres de los estilos nos ayuda a notar esas pistas.
Nos proporciona vocabulario.
Pero el vocabulario debería ayudarnos a observar con mayor detenimiento, no animarnos a forzar cada objeto dentro de la categoría disponible más cercana.
Porque un objeto puede pertenecer a una época sin representarla a la perfección.
Puede tomar prestado de un lenguaje anterior.
Puede anticipar lo que vendrá después.
Y, en ocasiones, puede rechazar nuestras etiquetas por completo.
El estilo es una pista, no una jaula.